En su larga carrera en solitario Steve Vai ha logrado alzarse con tres premios Grammy y ha colaborado con artistas de la talla de Whitesnake y David Lee Roth entre otros muchos más. Su envidiable manejo de la guitarra, su calidad compositiva y su labor como productor artístico le han elevado con los años a la primera división de la música rock a nivel internacional.
El newyorkino editó su último disco de estudio en solitario en 2012 bajo el nombre 'The story of light' y estos 3 últimos años ha estado centrado en el super-proyecto G3 Live, junto a los ases de la guitarra Joe Satriani e Yngwie Malmsteen
El 2016 lo está dedicando a conmemorar y recordar la calidad y huella histórica de 'Passion And Warfare', que junto con su espectacular directo y su buen hacer sobre las tablas impelen a su público a recibirle con los brazos abiertos allá donde actúa.
Aunque el grupo se disolvió en 1983, Burns lo rescató en 1987, siendo el único miembro original que permanece en activo en la banda. Su calado en la escena punk-rock de las últimas décadas ha sido notable, habiendo coqueteado con sonidos power-pop y reggae y firmado clásicos como "Suspect Device" o "Alternative Ulster", sin olvidar otros grandes éxitos como "Roots, Radics, Rockers & Reggae", "At the edge", "Nobody"s hero" o "Straw Dogs" que a buen seguro que tendrán cabida en el set-list de esta gira, junto a las nuevas canciones de su último trabajo.
Date prisa y no te quedes sin entradas para el concierto de Stiff Little Fingers
Con un tridente de primera línea compuesto por artistas consagrados de la talla de COLOUR HAZE, MOTORPSYCHO y STONED JESUS,
el festival ofrece un espacio vital para todos los amantes del rock en
sus vertientes más psicodélicas, doom, stoner y progresivo.
Los alemanes COLOUR HAZE vendrán al Kristonfest por segunda vez, tras su inolvidable actuación
en la edición del 2014. Y es que a estas alturas no cabe duda que la
carrera y discografía de COLOUR HAZE se ha convertido
en todo un referente del rock psicodélico y stoner-rock a nivel mundial,
siendo considerada como la banda más importante de Europa en dichos
terrenos, por lo que estamos especialmente contentos de anunciaros que
el trío alemán (ahora convertido a cuarteto con la inclusión de un
teclista!) encabezará esta nueva edición.
Por su parte, los noruegos MOTORPSYCHO están en boca de muchos tras el apabullante nuevo disco de estudio
(2025), homónimo, proponiendo al oyente una reinvención que podría estar
marcando el inicio de una nueva etapa en su sonido.
Otro
movimiento importante en los noruegos es que ahora editan de manera
independiente, sin presiones ni compromisos con ninguna discográfica, lo
que les proporciona mucha más libertad en el estudio de grabación, sin
lugar a dudas, algo que habría influenciado aun más la motivación de
experimentar en esta ocasión. Más de 80 minutos de puro deleite, de
nuevas expresiones progresivas y psicodélicas del rock que incluso
acepta sugerencias del blues y el folk, añadiendo a la fórmula también
unos momentos instrumentales que le vienen bien al hilo conductor. Una
delicia para el oyente y una muesca más en la carrera de una de las
bandas más creativas en activo, que cuenta con una laberíntica historia
discográfica compuesta por más de 40 álbumes de estudio más infinidad de
singles, directos, rarezas, remasterizaciones, etc...
Para cerrar este círculo perfecto, quien mejor que los ucranianos STONED JESUS:
Dieciséis años desde que el trío empezase a rodar, ¿puedes creerlo? Y
más tras la desgraciada guerra que llevan sufriendo en su país. Es por
ello que, más que nunca, estemos emocionados de poder tenerlos en el
cartel del 2025. Recientemente la banda ha editado un single con el
famoso 'Buried Alive By Love' de los finlandeses HIM y aún retumban los
ecos de su disco de estudio 'Father Light', que les aupó un escalón más
en el olimpo de los riffs!
explosiones punk de los sonidos del desierto, que junto al flow de la
batería de Ryan hacen de Stöner una de las bandas más interesantes del momento.
THE MACHINE / SUNGRAZER, Tour 2013
Roadburn Festival, Stoned From The Underground, Duna Jam... ¿Te suenan estos Festivales? si el Stoner Rock forma parte del menú musical en tu vida, y disfrutas con ello cada dia, sabrás que allí se dan cita cada año los mejores grupos del momento. De las últimas ediciones, entre los cabezas de cartel más destacados, The Machine y Sungrazer fueron dos de los nombres propios que sobresalían por encima del resto. El público especializado los reclama cada vez más, aumentan sus seguidores con el tiempo, y todo gracias a unos discos impresionantes que se convierten en experiencias auditivas sensacionales, refrutadas hasta un grado superlativo cuando se presentan en directo.
Con sede en Holanda como país de origen, las dos bandas comparten, además de nacionalidad, estilos similares entre sí, pero definidos cada uno con su propia personalidad. The Machine, el trio formado por Davy Boogaard (batería), Hans van Heemst (bajo) y David Eering (Guitarra/Voz), atesora cuatro discos en su haber desde su nacimiento, un lustro de intensidad vital cuyo punto de inflexión se dispara en 2010, cuando fichan por Elektrohash, pariendo a su vez esa obra maestra llamada 'Drie'. Sin lugar a dudas, uno de los discos de stoner más imprescindibles de la presente década. 'Calmer Than You Are', la tan esperada continuación, tampoco se queda muy atrás y disputará otro puesto destacado entre lo mejor del 2012. (www.themachineweb.com)
Sungrazer apuestan por formato de semejantes caracteristicas: Rutger Smeets (guitarra/voz), Hans Mulders (batería) y Sander Haagmans (bajo/voz), los tres llevan juntos desde el 2009 recorriendo escenarios por media Europa, ganándose adeptos en cada concierto, en constante desarrollo y ascensión al lado de titanes como Fu Manchu, Karma To Burn o Colour Haze. Como reflejan los dos trabajos que tienen editados hasta la fecha, su música destaca por una querencia retrospectiva que se pasea entre jams psicodélicas, explosivas distorsiones y abundantes pasajes espaciales. También firman por en Elektrohash hace un par de años, y 'Mirador' (2010) es su excelente carta de presentación desde entoces, un abismal disco ultrarrecomendable. (www.sungrazer.nl)
Los seguidores de ambas formaciones estamos de enhorabuena, se avecina un split compartido entre The Machine y Sungrazer para principios del 2013, que promete una barbaridad. Esta idea, como la gran amistad que los une, venía de atrás y se lleva fraguando en los últimos meses bajo el techo del Studio De Zolder, local privado de The Machine donde se efectúa la grabación. Pero lo mejor de todo no es eso, sino que anuncian una gira conjunta de cara al próximo mes de febrero, 'Strikes & Gutters Tour', y cinco son las fechas fijadas por nuestra península, asi que ATENCIÓN!!!
Tomad buena nota porque el acontecimiento merece muchísimo la pena, será uno de los puntazos del año, dos máquinas de Stoner Rock perfectamente engrasadas echando un pulso mano a mano, entre riffs monolíticos, atmósferas polvorientas y auténticas jams de infarto. ¡Impacientes los esperamos!
¿Que pueden hacer dos hermanos (Chis y Benji Lee), naturales de Anchorage (Alaska), e hijos de una predicadora Pentecostal que les quemaba todos los discos de Rock’n’Roll que entraban en casa? Esta claro: huir a La Ciudad del Pecado (Nueva Orleans), montar un grupo con las más puras, evidentes y especificas influencias rockeras de la historia y no parar de tocar en todos los bares de mala muerte del medio-oeste. Por supuesto, su madre no está nada orgullosa de ellos.
Efectivamente, SUPAGROUP son un grupo grande, que no se esconden tras ninguna etiqueta. Son un grupo de Rock a la vieja usanza, auténtico en todos los sentidos: desde su formación (un cuarteto clásico que completan el bajista Leif Swift y Michael Brueggen a la batería) y sonido (rudo, bronco, rabioso, con olor a válvula ardiendo), hasta la temática de sus letras: “Screwing, rocking and drinking...or drugging” (en sus propias palabras).
Tras varios años puliendo sus temas en bares cada vez más repletos de fieles seguidores, Foodchain Records logró domar a estos animales salvajes y meterles en un estudio donde grabaron su disco de debut, adulado y arrullado por la crítica. “Sabemos que el número de discos que vendemos no dependen de lo que escriban los periodistas de nosotros, si no de la cantidad de fans que quieran acostarse con nosotros”. Ellos lo tienen claro.
En 2008, estos predicadores de la iglesia del rock se marcaron un grandísimo disco que les puso en el sitio que llevaban años reclamando…el disco se tituló...RULES, un álbum grabado prácticamente en su totalidad en directo, captando el punto fuerte del conjunto, y consiguiendo, aún si cabe, más crudeza y salvajismo en su sonido. ¿Y donde sino podrían grabar un disco como este un grupo como este? Pues nada menos que en los legendarios estudios Avatar de NYC, bajo el mismo techo donde David Bowie o Bob Dylan entre otros, completaron grandes trabajos. ¿Y quien sino podía producir un trabajo como este? Solo una leyenda viva como Kevin “Caveman” Shirley (Led Zeppelin, Aerosmith) podía estar tras los controles, consiguiendo así un disco que con el que desempolvarás de nuevo esa “air guitar” que olvidaste a los 17 años. Cuernos en alto, cabeceos a 3.000 revoluciones, llegan los SUPAGROUP!!!
– Eddie Spaghetti
Han pasado ya tres años desde “The Glowing Man (Mute Records / Young God, 2016), donde un creativo Michael Gira nos sumergía en una especie de hipnotismo post-rockero muy personal con el que la banda certificaba la cimentación de su renovado estilo. Ahora, con “Leaving Meaning” (Mute Records / Young God, 2019), Gira ha querido marcar un nuevo punto de inflexión en su proyecto, tanto en estructura como en contenido, dándole profundidad de una forma brillante, experimentando y retorciendo el rock tal y como solo Swans saben hacer.
Para llevar a cabo este nuevo trabajo, Gira prescindió de la formación con la que llevaba trabajando desde el 2010 y se quiso rodear de las personas más adecuadas para materializar todas las ideas que tenía para el nuevo trabajo discográfico: Volvió a contar con Thor Harris, Kristof Hahn, Larry Mullins y Phil Puleo y otros como Anna y Maria von Hausswolff, Baby Dee o Fay Christen fueron invitados especialmente para la ocasión. El resultado ha sido uno de los mejores y más versátiles trabajos de Swans, con un Michael Gira pletórico que ha nutrido de energía, juventud y dinamismo al disco, ofreciéndonos en cada uno de los doce cortes un pequeño microcosmos repleto de matices misteriosos, a veces agresivos, pero siempre teniendo como resultado unas sensaciones genuinas y únicas.
De todos modos, con “Leaving Meaning” la banda sigue su senda histórica de convertir la violencia, la sexualidad y la naturaleza de lo humano en una liturgia sónica nunca ofrecida por otro artista y encumbrando a SWANS con una discografía abrumadora tras 38 años de existencia.
En 1990 publicaron su primer álbum ‘A Catholic Education’ aunque fue en 1997 cuando alcanzaron su mayor éxito con el álbum ‘Songs From Northern Britain’, que incluye himnos del power pop como ‘Ain’t That Enough’, ‘I Don’t Want Control Of You’ o la canción con la que abren el larga duración: ‘Start Again’.
Acaban de publicar ‘Here’ un nuevo álbum que sintetiza a la perfección el sonido Teenage Fan Club, sonido de culto que queda plasmado en un primer single impecable ‘I’m In Love’.
Barcelona y Madrid serán las ciudades elegidas para ser testigo de sus impresionantes actuaciones en vivo. ¿Estáis list@s para revivir uno de los mejores conciertos de Resurrection Fest 2016?
THE SOUTHERN RIVER BAND
Originarios de Thornlie (Un suburbio de Perth, Australia Occidental), el cuarteto lleva de gira y volando desde 2013, llevando su espectáculo en vivo a toda velocidad a cualquier lugar con escenario y bar, dejando a miles de fans con una sonrisa de oreja a oreja, noche tras noche.
Desde giras nacionales con entradas agotadas, tocando con leyendas australianas como Cold Chisel y Rose Tattoo, hasta telonear a íconos del rock moderno como The Darkness y Eagles Of Death Metal, SRB siempre se esfuerza por superarse. Con el lanzamiento de su épico álbum de 6 minutos, 'STAN QUALEN', en septiembre del año pasado, la banda dio un paso al frente, llegando a las listas de éxitos en 18 países de todo el mundo y anunciando su primera gira internacional, que incluye conciertos en Australia, el Reino Unido y Europa, muchos de los cuales ya han agotado las entradas.
La banda, compuesta por Cal Kramer, Donny Carter, Pat Smith y Tyler 'The Hawk' Michie, se prepara para su mejor año hasta la fecha: Tras firmar recientemente un contrato discográfico con Cooking Vinyl Australia, su nuevo sencillo, 'VICE CITY III', se lanzó a nivel mundial el 3 de mayo. Estén atentos al anuncio de su álbum 'DIY' en junio.
Tom Russell otro maravilloso contador de historiasque, desde la sencillez del folk y las seis cuerdas acústicas, supo construir mundos de letras de un modo que prácticamente nadie había hecho antes. Siempre en esa tradición como coleccionista, restaurador y archivador de historias y del legado folk, country y tex-mex estadounidense, género que siempre ayudó a difundir. Canciones directas sobre la tradición popular, vaqueros en el oeste y a veces en la frontera mexicana, llegando a ganarse una excelente reputación a mediados de la década de los setenta componiendo canciones para grandes como Johnny Cash, Guy Clark o Dave Alvin, entre otros.
Coleccionista, restaurador y archivador impagable del legado folk estadounidense, género que siempre defendió y ayudó a difundir. Con las claves de un sonido profundamente estadounidense, sin ardores ni panfletos, han ido cimentando una leyenda que ahora escribe un glorioso nuevo capítulo en la historia del country y el folk norteamericano con el nuevo trabajo de Tom Russell.
Russell aclamado por la crítica durante una carrera de más de 40 años, no solo por la calidad de su trabajo, sino por su gran alcance, a través de escribir canciones, prosa, poesía, componer música y pintar.El arte no se mueve en línea recta. Nadie pintó búfalos mejor que los habitantes de las cavernas. Picasso no tuvo reemplazo y nadie reemplazará a Dylan o Leonard Cohen. Tom Russell nunca hizo en todo este tiempo incursión alguna en el gran libro de la música norteamericana o Sinatra. Solamente se concentró en dar lo mejor de si mismo. Siendo vital y convincente. Un hombre tocando y cantando sus canciones con su guitarra como si estuviésemos alrededor de una fogata.
La visión expansiva de toda su discografía es ayudada por el hecho de que Russell es algo así como un erudito. Pintor y autor (libros sobre Charles Bukowski y el oeste americano junto con una novela de detectives) además de su trabajo musical, también tiene un título en criminología, pasó tiempo enseñando en África en medio de una guerra civil durante los años sesenta y viajó mucho antes de comenzar su carrera musical por medio mundo. Elementos de todas estas experiencias salpican sus álbumes y permanece inquieto e impredecible con su voz angustiada es el elemento básico en lanzamientos recientes como “Blood And Candle Smoke”, grabado con Calexico y Aztec Jazz que lo vieron al frente de The Norwegian Wind Ensemble o su trilogía Americana compuesta por “The Man From God Knows Where” en la que incluía aRamblin ‘Jack Elliott, seguido por “Hotwalker”, luego por “The Rose of Roscrae” publicadoen 2015, aclamado por la críticas como su obra maestra. Los tres álbumes se adentraron en el pasado, con Russell observando sus raíces en Noruega e Irlanda y cantando el impulso de poblar el oeste y celebrando la cultura forastera, ya sea en la literatura, el cine o los mitos estadounidenses.
Su ficticio Folk Hotel (un guiño al infame Beat Hotel en París) está poblado por músicos, autores y poetas que han influido en Russell. La dedicatoria en las notas refleja: “Mi mente es un antiguo hotel popular en el Village, embrujado. por fantasmas trovadores que cantaron canciones que nunca escaparán de mi alma”.
El trabajo de guitarras es una inacabable colección de riffs frescos y potentes, con un amplio rango de texturas profundas que se demuestran más versátiles y aplastantes que nunca. Las inolvidables armonías vocales del grupo se apoyan en una sensibilidad pop que propulsa su música a nuevas cotas.
Canciones como "Slide", "Times Missing" o la monumental "Admission" que da título al disco son buenos ejemplos de estos elementos, dando lugar a uno de los discos más cautivadores del 2019. "Admission" es una auténtica triunfada que sirve para impulsar a Torche hacia el próximo capítulo de su ya inimitable carrera.
El rock casi enteramente instrumental de Tortoise desafía la fácil categorización del sonido de la banda, y el grupo ha ganado una significativa atención desde el principio de su carrera. Los miembros tienen raíces en la fértil escena musical de Chicago, con apariciones en variadas bandas indies y punks. Tortoise están entre las primeras bandas norteamericanas en incorporar estilos cercanos al krautrock, al dub, al minimalismo, la electrónica y varios estilos del jazz, más que la clásica banda standard de rock and roll y punk que dominó la escena durante años. Algunos han citado a Tortoise como una de las principales fuerzas detrás del desarrollo y la creciente popularidad del llamado movimiento post-rock.1 2 Otros, sin embargo, han criticado su música como mera derivación del rock progresivo1 y arguyen que Tortoise ha sido objeto de un indeseable hype, para explicar que sea una banda tan reciente con tanto éxito. Los orígenes del grupo se hallan a finales de los 80, herederos de Doug McCombs y John Herndon, quienes se imaginaron como una sección rítmica freelance ("autónoma", en el sentido laboral del término) [como las leyendas del reggae Sly and Robbie]. Esa idea nunca vio la luz, pero su interés en ritmos con groove y en trucos de estudio llevó a que se unieran John McEntire y Bundy K. Brown (ambos previamente formaban parte de la formación de Bastro), seguidos más tarde por Dan Bitney. Aunque los créditos incluyen a todos los músicos, McEntire rápidamente se convirtió en el líder de la banda, luego la luz guiadora, al menos a través de la percepción a través de los medios. En realidad, sus contribuciones extra consistieron en ser ingeniero de grabación y en la realización de las mezclas. Su primer sencillo se editó en 1993 y su álbum homónimo lo siguió un año más tarde. Básicamente instrumental y lleno de medios tiempos, Tortoise lentamente ganó reconocimiento y atención, debido en parte a la inusual instrumentación (dos bajos, tres percusionistas con baterías, vibráfonos y marimbas). Un disco de remezclas se editó después, Rhythms, Resolutions and Clusters. Brown dejó la banda y fue reemplazado por David Pajo (anteriormente en Slint), que principalmente toca el bajo, pero da a la banda su primera guitarra, para el disco de 1996 Millions Now Living Will Never Die, un cambio tanto en atención como en calidad. El álbum mezclaba muchos géneros, pero aun así nunca suena como un pastiche. Millions Now Living Will Never Die apreció en muchas listas de finales de año y los 20 minutos de 'Djed' fueron descritos por el crítico John Bush como prueba de que 'Tortoise hacen desempeñar al rock experimental una doble tarea: ser música evocativa y bella'. En 1998 Tortoise editó TNT, quizá su mejor álbum de tono jazzístico. Pajo fue reemplazado por Jeff Parker, que tenía un amplio bagaje de música jazz. 2001 trajo Standards, donde la banda incorporó más electrónica y post-producción a su música que en ocasiones previas. 2004 vio salir a la luz It"s All Around You, y en 2006 colaboraron con Bonnie "Prince" Billy en un álbum de versiones titulado The Brave and the Bold y lanzaron A Lazarus Taxon, una caja que contiene un doble CD de sencillos y remezclas, un tercer CD con un expandido Rhythms, Resolutions and Clusters (fuera de imprenta durante largo tiempo) y un DVD de vídeos y actuaciones en directo.
Otros grupos relacionados con el sonido de Tortoise incluyen , The Sea and Cake, Brokeback, Shrimp Boat, Slint, Isotope 217 y los Chicago Underground Duo. Los discos de Tortoise se publican en el sello Thrill Jockey.
+ Info: www.trts.com
En 2020 se puso en marcha el nuevo proyecto de Toundra, ‘Das Cabinet des Dr. Caligari’, una banda sonora para el clásico de cine del expresionismo alemán que además celebraba su centenario.
‘Hex’, su laureado último trabajo, vio la luz el 14 de enero de 2022 llegando a un merecido #1 de ventas en la lista de vinilos más vendidos y #4 en las listas globales.
Vuelven en 2025, donde harán fechas seleccionadas haciendo repaso a sus mejores temas y tendrán nuevo disco en 2026.
Trío proveniente de Australia que aúna lo mejor de rock seventies con el stoner de los noventa, un cañonazo en directo que sin dudarlo darán mucho que hablar. Se van a embarcar en una gira europea por tercera vez en su corta carrera, recorriendo casi toda la geografía del viejo continente. En Junio ofrecieron varios shows abriendo para Black Label Society.
Tracer acaban de editar su disco debut con Mascot Records y verá la luz el 27 Agosto. El disco es una obra maestra de rock duro, y parece que llevan haciendo discos desde los noventa. Una joven banda que dará mucho que hablar en los próximos años, carne de festivales, carne de culto. Si te gustan Kyuss, Queens of the Stone Age, Soundgarden o Led Zeppelin, esta es tu banda.
Desde el nacimiento del rock desértico y su auge en la primera mitad de los ‘90, el género originado en California ha tenido numerosos representantes y tributarios. A estandartes fundacionales como Kyuss o Monster Magnet le han seguido incontables bandas alrededor del mundo. Con fuertes nichos en Europa y América -y siempre distante de la amigabilidad y facilismo del mainstream más radial-, el stoner o desert rock ha permanecido eternamente en circuitos subterráneos, pero con una energía, potencia y honestidad que está muy lejos de desvanecerse.
Uno de los más notables revitalizadores del género es el trío sueco Truckfighters. El grupo formado por Ozo (Oskar Cedermalm) en bajo y voz, Dango (Niklas Källgren) en guitarra y Pezo (Oscar Johansson) en batería, hace una interesante mezcla de sonidos desérticos, hard rock, jams instrumentales y melodías que resultan difíciles de ignorar. En sus tres elepés, Gravity X (2005), Phi (2007) y Mania (2009) y tras editar el documental sobre su vida en la carretera y donde aparecer sus padrinos de Queens Of The Stone Age, la banda ha explorado distintas corrientes, logrando un sonido cada vez más variado, propio y actuando en los principales festivales del género por todo Europa.
MEZCLA PRINCIPALMENTE INSTRUMENTAL DE GUITARRA ELÉCTRICA Y HERENCIA DEL ROCK NORTEAMERICANO CON INFLUENCIAS CLÁSICAS DE BOLERO, CUMBIA, TEJANO, RANCHERA Y RHUMBA LATINOAMÉRICANA CON TOQUES DE SURF HAWAIANO Y MÚSICA COUNTRY Y EL LIGERO TEMBLOR DEL PEDAL STEEL DE “FUE TANTO EL AMOR”
Twanguero y su banda, se complacen en anunciar el lanzamiento de su séptimo álbum, Panamerica, programado para el 27 de septiembre a través de Cosmica Artists. El álbum, una mezcla mayormente instrumental de guitarra eléctrica y herencia del rock norteamericano con influencias de América Latina, presenta una colección de pistas impregnadas de bolero, cumbia, Tejano, ranchera y rumba, complementadas con toques de surf hawaiano y música country.
La banda ha lanzado el primer sencillo y su video, 'Fue tanto el amor', evocador del estilo de composición de García, enriquecido con los tonos resplandecientes de la guitarra steel pedal. Describiendo el álbum, García dijo: 'Panamerica es un viaje sonoro por las Américas, mezclando elementos nostálgicos con creatividad contemporánea. Se trata de honrar las tradiciones musicales mientras se abrazan nuevos sonidos e influencias'.
Panamerica sigue al aclamado álbum de Twanguero de 2022, Carreteras Secundarias, Vol. 2, inspirado en la selva tropical de Costa Rica. A pesar de que los planes iniciales para grabar Panamerica en estudios a través de las Américas fueron interrumpidos por las restricciones pandémicas, García encontró inspiración viviendo en un barco en una marina de Los Ángeles, que coincidentemente compartía su nombre con el álbum.
En colaboración con un grupo de talentosos músicos, incluidos las vocalistas Mireya Ramos y Alih Jey, García coprodujo el álbum en Culver City, capturando una atmósfera vibrante de estudio en vivo con instrumentos vintage y un palpable sentido de camaradería.
Panamerica promete transportar a los oyentes con sus ritmos contagiosos y melodías conmovedoras, invitándolos a experimentar la visión de García sobre la unidad musical a través de las Américas.
La banda americana de hard melódico Tyketto visita nuestro país este próximo mes de Noviembre en, por fin, una gira en condiciones. Cuatro serán las afortunadas ciudades que podrán disfrutar del exquisito directo de Danny Vaughn y compañía: Barcelona (15 de Noviembre, Razzmatazz 3), Zaragoza (16 de Noviembre, CC Delicias), Madrid (17 de Noviembre, Sala Arena) y Las Palmas de Gran Canaria (18 de Noviembre, Sala Paper Cut).
Tyketto estarán presentando su notable quinto disco de estudio “Reach” (2016), aunque a buen seguro nos deleitarán con joyas de su época dorada y sus dos primeros discos, “Don’t Come Easy” (1991) y “Strength In Numbers” (1994). El sonido cristalino, la elegancia y la ejecución impecable de los temas son la marca registrada en directo de Tyketto, una banda de las que ya no nacen. ¡Oportunidad única! (Fuente:Metal Symphony)
El texano fue muy precoz, y ya con 15 años montó su propia banda, Tyler Bryant Band, llegando a girar por Alemania y Praga, ganando premios de Blues por su incipiente carrera, o siendo invitado por el mismísimo Eric Clapton en su Crossroads Festival. Cuando Tyler entró en la High School empezó a interesarse más por el rock de los Stones, Tom Petty, Crowes o Skynyrd, influyéndoles a la hora de componer y pum!...ya tenemos a Tyler Bryant & The Shakedown, los cuales en el 2008 firman un contrato y empiezan a tocar de teloneros con gente tan importante como los propios Aerosmith, Jeff Beck, Lynyrd Skynyrd, ZZ Top, BB King o Heart.
Tyler comienza a tener más notoriedad, tocando en los Grammys, tachándolo por colegas de la profesión como un “futuro dios de la guitarra”, colocando un tema en un Guitar Hero, o apareciendo en una peli documental llamada “Rock Prophecies” junto a Jeff Beck, Slash o Santana. En Marzo del 2011 Tyler publica su primer EP llamado “My Radio”, que le siguió poco tiempo después otro segundo EP, “From The Sandcastle”.
Ya en el 2013 la banda entra en el estudio para realizar su primer LP, “Wild Child”, un álbum de rock y blues con amplitud de miras. La portada con Tyler portando una Gretsch Delta Blues ya es una declaración de intenciones, aquí nos vamos a encontrar tradición como en “Poor Man’s Dream” o “Lipstick Wonder Woman”, pero también no temen a sonoridades más modernas como en “Say A Prayer” (con la sombra de Black Keys), la corrosiva “House On Fire” o la sexy “Cold Heart”. Incluso saben encontrar ganchos en temas enérgicos como “Still Young (Hey Kids)” o la inicial y pegajosa “Fools Gold”. “Downtown Tonight” es otro highlight donde sientes como si entrases en algún oscuro garito y la tía más buena se fijase en ti. “Wild Child” suena fresco, tiene descaro y a pesar de ser un fantástico debut, deja el regusto de ser “sólo” el comienzo de una prometedora carrera.
Tras haber realizado giras con bandas como Rival Sons, Howlin´Rain, Purson y miembros de The Black Crowes, ULYSSES entró en el estudio con apoyo del productor Steve Evans (Robert Plant, Siouxsie, Goldfrapp, etc…) para plasmar en un nuevo trabajo los años que se han pasado en la carretera, la experiencia con sus anteriores trabajos discográficos y el buen cargamento de música que han escuchado durante todo ese tiempo.
Dicho disco acabó titulándose “Law & Order” y saliendo a la luz el pasado Junio bajo el sello Black Glove Recordings. De sus tres discos de estudio, éste es el más contundente hasta la fecha y en el que quedan descaradamente reflejadas influencias como Syd Barrett, la etapa más psicodélica de los Stones, Thin Lizzy, Supergrass, The Cars, Alvin Stardust, Hot Chocolat, Sailor, Paul McCartney con sus Wings y muchas bandas barriobajeras y setenteras. La incorporación de un nuevo miembro, Danny Peppers, quien aporta su guitarra para crear un atractivo juego cruzado y algunas texturas acústicas sobre las que ya ponía en ULYSSES el guitarrista y cantante Luke Smyth.
Guitarras, power pop con destellos de glam, rock con melodías de pop, psicodelia pegadiza, armonías y estribillos son las mejores credenciales de ULYSSES, una banda para apuntar con letras bien grandes.
